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Unperson. Portraits of North Korean Defectors

Dans 1984 de George Orwell, une non-personne est quelqu’un qui a été vaporisé, dont le dossier a été effacé. De même, les transfuges nord-coréens que Tim Franco a choisi de représenter ont décidé de disparaître, fuyant parfois pour des raisons idéologiques et souvent par désespoir. La route vers la Corée du Sud est dangereuse et peut prendre des années, à travers les nombreuses frontières avec la Mongolie, le Laos, la Thaïlande et la Chine. Les voyages de ceux qui le font sont remplis de la peur d’être arrêtés et renvoyés dans des camps de travail. Arrivés en Corée du Sud, ils ont souvent du mal à trouver une nouvelle identité ; Perdus entre leur passé nord-coréen et leur avenir sud-coréen.

Pour rendre compte de cette incroyable transition, Tim Franco a utilisé un matériau analogique qui n’est pas censé exister : le négatif d’un polaroid se révèle à travers une série de purifications chimiques, aboutissant souvent à quelque chose d’incertain, de sale et d’imparfait. Chaque portrait va de pair avec l’histoire de comment et pourquoi les sujets en sont venus à cette décision radicale. Afin de retracer leurs traces, Franco s’est rendu aux points de passage, dans le but de capturer la diversité des paysages qui est à l’origine de la défection nord-coréenne.

Tim Franco est un photographe franco-polonais né à Paris en 1982. Anciennement basé à Shanghai depuis une décennie, il documente l’incroyable urbanisation de la Chine et ses impacts sociaux. Cet ensemble de travaux a été publié dans sa première monographie Metamorpolis – la conclusion de cinq années de travail sur l’exode rural dans la ville à l’urbanisation la plus rapide du monde : Chongqing. C’est à cette époque que Tim a développé son style de travail principalement sur appareil photo analogique et en essayant d’apporter une esthétique minimaliste à la photographie documentaire.

En 2016, Tim Franco a déménagé en Corée du Sud où il a commencé à travailler sur un projet à long terme sur les transfuges nord-coréens. Il a collaboré – entre autres – avec Time Magazine, Wall Street Journal, le New York Times, National Geographic, Le Monde, Geo et 6 Mois.

Les terres déchiquetées. Hôpital Gaza – Sabra – Beyrouth

Construit en 1978 par l’OLP, Gaza Hospital a ouvert ses portes l’année suivante à Sabra – Beyrouth ouest. En 1982, la société du croissant rouge palestinien en prendra la direction. L’hôpital offrait des soins de pointe délivrés gratuitement à toute la population de Beyrouth. Durant le massacre de Sabra et Chatila, le personnel fut évacué et les installations fortement endommagées. De 1985 à 1987, pendant la « Guerre des Camps », Gaza Hospital fut pris pour cible par les milices du parti chiite Amal soutenues par l’occupant Syrien. Le 16 janvier 1988, Nabih Berri, chef du parti Amal aujourd’hui toujours au pouvoir, annonce la fin du siège des camps de réfugiés palestiniens à Beyrouth. La Sixième Brigade se retire pour être remplacée par les troupes syriennes. Dans l’intervalle, l’hôpital sera totalement démantelé et les installations seront pillées ou détruites. Des blocs chirurgicaux, en passant par le système électrique et jusqu’aux ascenseurs, rien ne sera épargné. De l’hôpital, il ne restera plus qu’une carcasse vide vers laquelle les Palestiniens afflueront pour y trouver un fragile refuge. Peu à peu, l’hôpital abritera des générations de réfugiés palestiniens puis des Syriens échappant aux conflits, mais aussi des travailleurs pauvres libanais ainsi que des migrants égyptiens, marocains, bangladais fuyant la misère. Gaza Hospital est ainsi devenu une condensation de l’histoire des mouvements migratoires du bassin oriental de la mer Méditerranée. Un palimpseste à lire dans sa verticalité.

L’ancien hôpital implanté à la frange de la ville encore orgueilleuse il y a peu, fut érigé dans une zone surpeuplée à grande majorité sunnite. Son bâti idéologique que fut le combat d’un peuple sous la bannière de l’OLP s’est mué au fil des décennies pour devenir un concentré de pluralités régionales et internationales, sans autre motif premier que celui de la survie. Ceux-là même qui composent pour partie la population du Liban et qui le divisent, tous devenus réfugiés dans ce lambeau urbain.

Ennemis d’hier pour certains, ils partagent à présent l’ossature d’une même architecture délabrée aux strates poreuses, conjugués par les nécessités de la précarité extrême et de la promiscuité. Là se constituent par capillarité des familles transnationales, parfois transculturelles. En ce sens, Gaza Hospital propose l’iconopraphie d’un « sur-vivre » ensemble, d’une société qui si elle demeure parfois étagée économiquement, se modifie peu à peu au-delà des origines et des confessions. Ici les lignes de démarcations qui continuent à cloisonner les différentes communautés du pays afin de conserver un système de clientélisme et de corruption, s’effacent un tant soit peu, rappelant en filigrane mais non sans ironie que jadis, cet hôpital était pour tous.

Alors que les populations de Gaza Hospital opèrent un lent déplacement vers une possible hospitalité, la terrible crise économique organisée par la faillite d’un système politique mortifère et discriminatoire ne lègue aux plus pauvres d’entre eux qu’un « en commun », celui d’y mourir ensemble, lentement.

Diplômée du Conservatoire National de Genève, Karine PIERRE a travaillé au théâtre de 1990 à 2018. Parallèlement à sa carrière de comédienne de théâtre, de monteuse films et de réalisatrice de films, elle commence la photo en autodidacte en novembre 2015. Dans la foulée elle collabore avec une agence de presse à Londres avant de rejoindre l’agence Hans Lucas fin 2017. À l’été 2018, elle décide de se consacrer exclusivement à la photographie et entreprend une formation à l’école de l’image des Gobelins tout en continuant de couvrir l’actualité sociale et politique en France. Fin 2019 elle se concentre sur des sujets documentaires à plus long terme et se rend en Libye puis au Liban. Ses photos ont été publié par le Monde, Washington post, Libération, Paris-Match, L’Obs, le Figaro et le Figaro-Magazine, Médiapart, La Croix, Les Inrockuptibles, Marianne, Télégraph, La Vie, Le Parisien Magazine, Philosophie magazine, L’Humanité, Society, Le Pèlerin, JDD.

Réparer

Réparer est un documentaire photographique débuté en 2019 autour de femmes souffrant de fistules obstétricales, iatrogènes ou traumatiques en République démocratique du Congo. La série raconte le quotidien de certaines d’entre elles au sein de la maison de la rose de Jéricho à Kinshasa à quelques encablures de l’hôpital. Ce lieu tenu par des religieuses les accueille en convalescence ou dans l’attente de soins.

Du foyer au couloir de l’hôpital, elle photographie leur combat intime et universel pour plus de dignité, la résilience qui les anime et éprouve ce qui les lie, toute Mundele* qu’elle est, dans leur condition de femme.
*Désigne une personne blanche en lingala

Morgane Delfosse (1991, France) crée du lien avec ses sujets par l’expérience de l’immersion et de la rencontre, dans une approche documentaire toujours sensible et engagée. Diplômée de l’École supérieure des arts le Septantecinq à Bruxelles, Morgane vit et travaille dans la capitale belge durant près de 10 ans comme portraitiste et photographe de commande. Elle s’installe à Paris en septembre 2018 afin de poursuivre sa carrière et de revenir à une pratique personnelle de son médium. Ses recherches l’amènent aujourd’hui à traiter de l’intime et de la résilience, notamment à travers la série Réparer qui aborde la problématique des fistules uro-digestives en République démocratique du Congo, ou encore à soulever des questions sociales et politiques, plaçant toujours l’humain au centre de sa photographie. Morgane est sélectionnée parmi les 30 Under 30 Women Photographers par Artpil en 2020, puis reçoit une carte blanche en résidence pour Usimages, la biennale de la photographie industrielle, en février 2021. Elle est repérée comme photographe émergente lors de la première édition de Photo Slam aux Rencontres d’Arles en juillet 2021 et y présente son travail au Théâtre antique. Elle anime également des ateliers pédagogiques, collectifs et participatifs, auprès de différents publics.

Solar Portraits

La précarité énergétique est un problème mondial qui touche plus de 759 millions de personnes dans le monde. Solar Portraits aborde le manque critique d’accès à l’électricité et les avantages de l’énergie solaire, la technologie et l’innovation dans la vie des gens. Ce travail a commencé en 2014 alors que le photographe a vécu au Myanmar. Il a commencé à photographier des familles qui avaient récemment eu accès à l’énergie solaire systèmes alimentés, électrifiant leurs maisons et leurs entreprises pour la première fois dans un pays où les zones rurales n’ont que peu ou pas d’accès au réseau. Pendant ce temps, il est devenu passionné par cette question, suscitant sa curiosité pour approfondir et raconter plus d’histoires à travers le monde. À ce jour, Solar Portraits représente 29 sites dans 10 pays sur les 5 continents. Comme la construction de l’infrastructure nécessaire pour connecter les villages éloignés et ruraux au réseau prendra encore beaucoup de temps, l’énergie solaire est une solution viable et indispensable qui a le potentiel d’améliorer immédiatement la vie de millions de personnes. De petits systèmes d’énergie photovoltaïque (PV) peu requis peuvent fournir aux ménages 12 heures de lumière pendant la nuit, permettant aux gens de faire plus avec leurs heures d’éveil sans frais supplémentaires. Si l’on regarde l’image plus large de l’environnement de notre planète, l’énergie solaire a le potentiel d’avoir un impact positif substantiel sur l’empreinte carbone de la planète. L’Environmental Protection Agency montre que la production d’électricité provoque sur une tiers de toutes les émissions de gaz à effet de serre, donc réduire l’électricité que nous tirons du réseau signifie réduire les émissions de carbone.

Ces portraits dépeignent la vie d’individus dans des communautés du monde entier, dont beaucoup ont pour la première fois accès à l’électricité grâce à l’énergie solaire énergétique. En apprenant comment différentes cultures utilisent l’énergie solaire de manière unique pour résoudre des problèmes universels, nous pouvons mieux comprendre comment mettre en œuvre plus efficacement technologie énergétique durable à l’avenir. On a demandé à chaque protagoniste comment l’électricité avait changé sa vie. Les scènes ont toutes été éclairées uniquement par l’énergie solaire des ampoules électriques, la plupart à eux, qui contribuent à l’amélioration du niveau de vie de ces personnes.

Rubén Salgado Escudero est né à Madrid, en Espagne. Il a vécu aux États-Unis tout au long de son adolescence, diplômé du Savannah College of Art et Design. En 2014, il décide de changer complètement de vie, laissant derrière lui une longue carrière de dix ans dans l’animation de personnages en Allemagne. Il part alors pour le Myanmar afin de poursuivre sa passion pour la photographie et documenter l’ouverture d’un pays fermé au monde depuis plus d’un demi-siècle. Aujourd’hui, il est basé au Mexique. Les œuvres de Rubén ont été exposées dans plus de 20 villes du monde, dont New York, Londres, Tokyo et au festival photo Les Rencontres d’Arles en France. Il est un membre de The Photo Society, une communauté de photographes du National Geographic Magazine. En tant que conférencier expérimenté, Rubén a donné une conférence TedX à Pékin et continue de donner des conférences dans le monde entier pour National Geographic Learning et d’autres institutions telles que le Museo Soumaya à Mexico et la Sony Gallery à New York. Ses projets ont été publiés dans la plupart des grandes publications internationales et ont remporté divers prix internationaux, dont le Sony World Photography Award deux années consécutives et troisième place au POY Latam (photo de l’année) deux ans.